Tata Guines hacia la Celesta All Stars

Como nos lo anticipó nuestro amigo Ruben Toledo en el cbox aca la lamentable noticia de la partida de Tata Guines hacia la Celeste All Stars.

Tomado de http://www.elpais.com/

Los tambores se callan por Tata Güines

Fallece Arístides Soto, una leyenda de la percusión de Cuba

El tamborilero cubano Tata Güine, considerado una leyenda de la percusión de la isla, ha fallecido hoy en La Habana a la edad de 77 años a causa de un cáncer. El percusionista, que paseó su arte por escenarios de Europa, Asia y América y recibió el Premio Nacional de la Música de Cuba en 2006, se encontraba hospitalizado en la capital cubana y será enterrado en su localidad natal, Güines, en la provincia de La Habana, ha informado una fuente del Instituto Nacional de la Música de Cuba.

Federico Arístides Soto Alejo, conocido artísticamente por el sobrenombre de Tata Güines, nació el 18 de julio de 1930, en el seno de una familia de músicos. Fue autodidacta y, según él mismo decía, se había inspirado en el arte del percusionista Chano Pozo para crear su propio estilo al interpretar la conga. En particular, los solos de tumbadora (tambor), instrumento que revolucionó con su estilo y del que extrajo nuevas sonoridades. Fue candidato varias veces a los premios Grammy Latinos, con los discos La rumba soy yo; Lágrimas Negras, en el que participó como invitado junto al cantante español Diego El Cigala y al pianista cubano Bebo Valdés, y también con la formación del famoso Buena Vista Social Club.

Tata Güines comenzó su trayectoria tocando el contrabajo con un conjunto dirigido por su tío Dionisio Martínez, y más tarde fundó la orquesta Estrellas Nacientes, junto a algunos músicos de su familia. Además de integrar grupos como el Quinteto Instrumental de Música Moderna, compartió escenario con la orquesta Sinfónica Nacional, el cantautor cubano Silvio Rodríguez y el pianista cubano José María Vitier. A su vez, popularizó composiciones propias como Perico no llores más, Auxilio y No metas la mano en la Candela, entre otras. Por su papel en la música, el tamborilero recibió importantes distinciones culturales de la isla como la orden Félix VarelaAlejo Carpentier (2002). (2004) y la medalla

"Respetar todo lo que huela a Cuba"

En una entrevista que concedió en abril de 2007 a la revista Bohemia, desveló que una de sus ocupaciones era enseñar a niños para darles el maestro que él no tuvo y que estaba con "más entusiasmo, con más deseos y decisión de seguir adelante" para dejar una obra que otros pudieran interpretar. Entonces, el músico confesó que estaba "muy disgustado" por la poca promoción de la música cubana y la pérdida del espacio de ritmos tradicionales como el danzónreggaeton. "Yo digo que primero hay que tener en cuenta tu música, tu palma, tu bandera, después que venga lo demás, pero hay que tener principios y respetar a todo lo que huela a Cuba", dijo.

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Patato a la Celeste All Stars

Fallece el percusionista “Patato” Valdés

El músico era considerado como uno de los mejores del mundo del Jazz Latino. (El Nuevo Día / Xavier Araújo)

Por ELNUEVODIA.COM (Con información de Félix Hernández)



El músico cubano Carlos “Patato” Valdés, considerado uno de los mejores percusionistas del jazz latino, falleció el martes en la ciudad de Nueva York.

Don Carlos fue maestro de muchos de los mejores percusionistas del mundo y en Puerto Rico recibió importantes homenajes.

En 2002, a Valdés se le dedicó el Puerto Rico Heineken Jazz Fest, celebrado en San Juan. De igual forma, el Senado de Puerto Rico le entregó una proclama en reconicimiento por su aportación a la música caribeña.

“Patato” Valdés fue el creador de la idea del cáncamo o tornillo de rosca para el ajuste de la conga o tumbadoras, patentizado por Martin Cohen, fundador de Latin Percussion Inc.


Lo sepultarán en la Isla

PATATO EL SEÑOR TAMBO

El maestro percusionista nació en La Habana el 26 de noviembre de 1926. A mediados de la década del cincuenta se marchó de Cuba para residir en Nueva York, donde ganó fama mundial.

Entre otros galardones, Valdes ganó el Grammy por la producción musical El arte del sabor, que realizó junto a los músicos Bebo Valdés e Israel López “Cachao”.

El ciudadano Félix Hernández, quien dijo ser amigo personal del músico, suministró a Caza Noticias de ELNUEVODIA.COM información sobre el deceso del maestro percusionista y expresó su pesar por la muerte del artista.

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HECTOR CASANOVA

Otra voz que se apaga

Por: Sandra Milena Ossa

www.salsacueroytimbal.3a2.com

"Yo quiero morir cantando...yo si morire gozando...yo quiero morirme riendo... yo quiero morir cantando...el dia que yo me muera no quiero a nadie llorando acuerdense lo que dije yo quiero morir cantando..."

Murio Hector Casanova una de las voces mas prodigiosas de la salsa, a sus 62 años nos abandono , pero sabemos que de nuevo la orquesta celestial se encuentra de fiesta.

aqui les dejo una pequeña reseña, para que recordemos a este grande que hoy se nos va pero que deja su musica para que la sigamos disfrutando por siempre.....

"Dichoso es aquel que nace con una voz melodiosa y al inspirarse consigue decir cositas hermosas"

Y es que tal vez, si Pete "El Conde" Rodriguez, no hubiera decidido retirarse de la orquesta de Johnny Pacheco, para formar la suya, no hubieramos podido conocer y tener el placer de escuchar la excelente voz de Hector Casanova, pues precisamente el fue su remplazo y lo hizo muy bien.

Y es que Pacheco penso que no iva a ser facil encontrar otro vocalista que le diera la talla al "Conde" pero al saber de Hector Casanova supo que habia llegado el que era...fue asi como le brindo la oportunidad de ser el vocalista de su orquesta e inmediatamente la aceptacion del publico fue triunfal.

"El canto sera mi muerte tambien mi felicidad y ahora con mi tumbao tengo la oportunidad"

Y es que su voz para muchos se nos hace parecida a la del "Conde" asentuandose mas en unos temas que en otros, y aunque el decia que no que su voz era Tenor y la del "Conde" baritona, pues tal vez era su estilo el que lo asemejaba de una o otra forma al "Conde".

"No creas que porque canto es porque me vuelto loco, yo canto porque el que canta dice mucho y sufre poco"

Ya junto a "Pacheco y su tumbao añejo" Hector Casanova cosecharia muchos triunfos, que se vieron reflejados en los tres trabajos discograficos consecutivos que grabara, el primero fue: “El Maestro” (1975), del cual se derivan los exitos y excelentes temas: tales como : Guaguanco pal que sabe: "Por eso yo vivo feliz cuando yo canto mi bonito guaguanco", Hoy como ayer, Mango Mangue, y El Faisan "Con el faisan no se meta nadie...con el faisan que no se metan con mi faisan"...

El segundo album fue “El Artista” (1977) en el que se encontraba el buen tema : Esa Prieta "Oye mira a que me llevo esa Prieta.."

Y el tercero que se llamaria “Los Amigos” (1979), de este album saldrian los exitos: Agua de clavelito "Tomate el agua de clavelito..lo traigo coloraito"...", Sale a buscar, El Rey "Vamos a bailar el chambele con el sonido de mi tres"...y el temazo Si La Tierra Tiembla "Yo mate cuatro panteras un trigre y dos leones pero si la tierra tiembla seeeee me caen los pantalones..."Si la tierra tiembla yo me voy de aqui..."

Aunque comenzó a cantar desde niño, Héctor Casanova Padrón despuntó en el ambiente musical junto al maestro Johnny Pacheco, con quien trabajó varios años en sustitución del puertorriqueño Pete “El Conde” Rodríguez.

No podemos olvidar los trabajos discograficos que Casanova realizo como solista “Casanova Montuno y las muchachas”, "Y Sigue el Montuno", “Casanova" Tambien en sus inicios cuando grabo con diferentes orquestas entre ellas: Ritmo Tropical de Cuba, y La de Monguito, y de las colaboraciones que le hizo a muchos Salseros como a. Santiago Ceron, Chocolate Armenteros, Africando, Israel Kantor entre otros...

Fue junto al músico Johnny Pacheco, precisamente, que Casanova tuvo su última comparecencia pública, cuando lo acompañó a la celebración de sus 50 años de historia musical en un concierto celebrado en el Madison Square Garden de Nueva York. Q.E.P.D

"Aqui donde usted me ve yo no soy un casasola yo me llamo casanova y lo digo como es, tu ve.."

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Celeste All Stars

Fuente Herencia Latina

Muere el sonero cubano Héctor Casanova,

en la ciudad de Yonkers, NY

Héctor Casanova, por más de 30 años el cantante de planta de la orquesta de Johnny Pacheco más solista en varias de sus propias grabaciones "Casanova" (1980), "Casanova, Montuno y Las Muchachas" (1983), "Sólido" (1986), y "Y sigue el Montuno" (1998) y acompañante musical en un sinfín de grabaciones para diversos y aclamados artistas como Africando, Los Soneros de Oriente, Cuban Masters, Gilberto Santa Rosa, Hermán Olivera, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, José Alberto 'El Canario', Michael Stewart, Tito Rojas, Adalberto Santiago, Johnny Ventura y Ray Viera además, de ser uno de los cantantes estelares de las Estrellas de Fania.

Oriundo de Marianao, en La Habana, Cuba, Héctor nació el 19 de noviembre de 1944 y empezó a cantar desde muy joven en el coro de su escuela. Con sus primos, hasta tenía un "grupito" con el que cantaban en la esquina o en bailecitos. Héctor emigró en 1962, con su familia a Boston, Massachusetts, a la temprana edad de 15 años, y un año más tarde, con su familia se trasladó a Nueva York. Su primera experiencia musical se la debió a un vecino, el vibrafonista Lalo Olivera, en Brooklyn, el que tenía una orquestica, "La Neoyorquina Seven Go", un septeto que con él se hicieron siete. Así empezó profesionalmente cantando en bodas, bautizos y, hasta en entierros.

Luego, Casanova cantó con una infinidad de orquestas como "Dicupé", "Tambó", "Ritmo Tropical de Cuba" (hoy llamado Conjunto Modelo) y "Monguito" Santamaria, entre otros, hasta que en 1975 se unió a la orquesta de Johnny Pacheco, creando entre los dos una inseparable afinidad que ha perdurado hasta este momento. Con Pacheco, Casanova grabó tres álbumes consecutivos: "El Maestro" (1975), "El Artista" (1977) y "Los Amigos" (1979) hasta que en 1980, cuando Pacheco se distanció de la música, decidió formar su propio orquesta, "Casanova y su Montuno". Su más reciente participación discográfica fue para su íntimo amigo, el cantante dominicano Santiago Cerón, titulado "El Alacrán" (2005).

En el año 2004, a Casanova le diagnosticaron de cáncer en el cerebro, el que tras operarlo el 13 de diciembre de ese mismo año, determinaron que era maligno.

Tras una delicada operación y en medio de una intensa terapia, comenzaron a germinarle coágulos de sangre que le produjeron gangrena en la pierna izquierda, la que no pudieron salvarle y tuvieron que amputarle. Después de ese púnzate período, a Héctor le dieron de alta limpio del cáncer que lo agobió, y lleno de pasión por la música, apoyandose en una pierna prostética, comenzó de nuevo su carrera: cantando y viajando.

En medio de planes con Pacheco para lanzar un nuevo disco, desdichadamente para él y su familia, el cáncer le regresó en forma fatal, inundando del mal su cuerpo hasta llegarle a los pulmones, razón por la que que los doctores le han dado poco tiempo de vida.

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Celeste All Stars Abril, Mayo, Junio

Ramón Sardiñas Quian
“Monguito El Único”

Mayo 26

Nació en el pueblo de Manguito, Provincia de Matanzas, Cuba. También conocido como “El Único”. Fue en su pueblo natal donde se le conoció con el sobrenombre de “Monguito” y con este alias fue que se quiso dar a conocer en su carrera como cantante en 1946. Sus presentaciones iniciasles las realizo con importantes orquestas de la epoca en salones sociales, cabarets y fiestas de toda indole en su tierra natal.

Debuta con la Orquesta Modernista en la capital en presentaciones de television, radio, teatro y de esta manera se convierte en uno de los cantantes mas solicitados por el publico.

En la decada del los 50 viaja a Mexico donde tambien participa con varias agrupaciones reafirmandose como estrella de la musica pero gracias a ese exito participa en el cine en peliculas como "El Hombre Mono", junto al legendario comico Tin Tan y en la comedia fílmica “Estoy Casado, Ja, Ja” al lado de los actores Mauricio Garcés y Ana Luisa Peluffo. Permaneció en tierra azteca por un tiempo de tres años.

Fuen en el año 1962 cuando se traslado a a New York, cuando empezo con la Orquesta Brodway, y ademas es en esa ciudad cuando por primera vez participa en una grabacion fonografica al nada menos que con el Conjunto del ciego maravilloso, Arsenio Rodríguez, en el álbum “Primitivo” en 1963, en el sello Roost. Con el famoso grupo musical del “Rey Del Tres” debutó en el prestigioso Teatro Carniege Hall de Nueva York, con ocasión del tributo que se brindara en homenaje al desaparecido maestro Ernesto Lecuona, interpretando su música.

Entre 1964 y 1966 se hace miembro de la banda de Johnny Pacheco, Pacheco y su Nuevo Tumbao. Debuta en el segundo álbum del catálogo, del recién creado, sello Fania: “Pacheco At The N.Y. World’s Fair (Pacheco En La Feria Mundial De N.Y.)” en 1965, y aunque en la contracarátula aparece como vocalista Pete Rodríguez, como era conocido “El Conde” en ese momento, Monguito, que no aparece en los créditos, vocaliza dos temas: “Se Me Fue” y “Soy Del Monte”.

Así Monguito se hizo vocalista de la recién renovada agrupación de Pacheco y le siguieron los álbumes “Pacheco Te Invita A Bailar” y “Pacheco y Su Nuevo Tumbao – Viva África”, en el cual compartió la vocalización con Chivirico Dávila.

Siendo miembro de la agrupación de Johnny Pacheco, cantó en el trabajo discográfico de Herbie Mann (conocido como Big Boss Mann) “Latin Mann” en 1965.

Su producción continuo durante los años 70, cuando grabó el álbum “Yo Si. . . Como Candela!” en 1972 en el sello Teca.

Debutó en el sello SAR (fundado en 1979 por los señores Sergio Bofill, Adriano García y Roberto Torres) con el álbum “Monguito El No 1” (editado también como “Yo No Soy Mentiroso”) en 1979, producido por Roberto Torres, y que le mereció un Disco de Oro.

Hizo álbumes en Nueva York para Ivory COAST –base del sello Sacodis– como cantante líder y director musical, en un estilo semejante a la popular fórmula del sello SAR, de extraordinarios son montunos y guajiras cubanos con un amplio espacio para los solos.

En 1980 hace una gira por el África. Allí en el continente africano, el Ministro de Agricultura de Costa de Marfil, le hizo entrega de un Disco de Oro por su álbum debut en el sello Socadis, “From Cuba To Africa”. Sus trabajos “Monguito El Único” de 1982, del cual sonaron los temas “Perla Fina” y “No Me Llamen Salsa A Mi Son”, y “El Unico!” de 1984 fueron ambos producidos por “El caminante” Roberto Torres en el sello Taboga, filial de SAR. Publicó el LP “Yo Soy La Meta” en 1985 en el sello Caimán descendiente de SAR.

Luego de casi 10 años Monguito vuelve a ser noticia. Era la noche de lunes 1º de agosto de 2000, cuando Monguito fue reunido junto a Johnny Pacheco en el SOB’s, en una mágica noche de derroche de música latina –salsa–. Esta era la primera vez en más de treinta años que estos dos grandes de la música actuaban juntos de nuevo. El señor Nando Alvericci, promotor del SOB’s, fue el hombre capaz de propiciar este estelar encuentro. Pacheco fue el encargado de abrir la noche con su vocalista en ese momento, Casanova, quien interpretó los temas clásicos acompañado por una banda dirigida por Pacheco. Después Pacheco fue quien presentó a Monguito, que apareció como siempre, en los últimos años, vestido de todo blanco; para poner el ambiente en una temperatura máxima. Fue un regreso a los finales de la década del 60.

De nuevo hay un silencio en la vida de Monguito hasta que de acuerdo a la información recibida por el director y anfitrión de Televisión Willie Villegas: cuando Monguito fue recluido en un hospital en México por causa de un desmayo, le fue descubierto un tumor en su cerebro. De regreso a su casa en Nueva York, también sufrió un leve ataque cardíaco. Según informes recibidos su salud deterioró rápidamente y falleció el viernes 26 de mayo de 2006.

Gran parte de los datos de la Biografia de Monguito fueron extraidos de el articulo:

Monguito In Memoriam

Por: WALTER G. MAGAÑA S.
Miembro fundador de Herencia Latina
Cali – Colombia

HILTON RUIZ
Junio 6

El pianista y compositor de jazz Hilton Ruiz, de origen puertorriqueño, falleció el 6 de junio a los 54 años en Nueva Orleans.

Ruiz se encontraba en coma desde el 19 mayo tras sufrir una fractura en el cráneo después de una caída en el barrio francés de la ciudad.

Natural de Teaneck (Nueva Jersey), Ruiz era considerado uno de los músicos, pianistas y compositores de 'bebop', jazz y música afrocubana más versátiles en la actualidad.

Ruiz comenzó a tocar el piano a los ocho años y actuó con los prestigiosos trompetistas Freddie Hubbard y Joe Newman.

También fue el pianista principal del multiinstrumentista Roland Kirk, entre 1974 y 1977.

Participó en más de 500 grabaciones junto a músicos de la talla de Tito Puente, Dizzy Gillespie, Charles Mingus, Bing Crosby e Ismael Rivera, y había grabado 30 discos.

Hasta este momento la muerte de Ruiz sigue siendo investigada. Su familia no acepta que el musico hubiera sufrido varias lesiones de Craneo en una caida. Dicen, ademas, que Hilton fue golpeado brutalmente en el Bar donde se encontraba y a consecuencia de esa golpiza fue que se cayo, como lo muestra un video de la policia local, prueba con la cual la misma, quiere hacer pensar que esa fue la consecuencia de su estado critico que provoco su posterior muerte.

Jesus Caunedo

Junio 13

El saxofonista cubano Jesús Caunedo, radicado en Puerto Rico desde la década del 60, falleció la noche del martes en su residencia en Valle Arriba Heighs en Carolina.

Tras dos días sin comunicarse con Caunedo, varios amigos, entre ellos el baterista Walter Rodríguez, el saxofonista Jimmy Urbina y el director del cuarteto Los Hispanos, Wisón Torres lo fueron a visitar y al llegar a su residencia encontraron la puerta abierta y las luces encendidas, por lo que forzaron el candado y al lograr acceso a su hogar lo encontraron muerto.

“Caunedo fue una gran influencia para la mayoría de los músicos que nos desarrollamos en los 70 en este país, tanto para abrirnos los ojos sobre la necesidadd de tocar otras cosas como para los muchachos que estudiaban saxofón”, dijo su amigo y compañero Rafi Torres.

En las décadas de los 60 y 70 Caunedo dirigió la orquesta del Hotel San Juan, con la que acompañó a Joan Rivers, Chita Rivera, Rita Moreno y otras estrellas del firmamento internacional de la canción.

Fue coproductor del sello Gema en sociedad con Guillermo Alvarez Guedes, su gran amigo.

Con dicha disquera en la década del 70 produjo el elepe “Puerto Rican Jazz”, pionero de la expresión en la Isla, el cual realizó con músicos del patio como Elías Lopés, Juancito Torres, Luisito Benjamín, Jimmy Rivera, Rafi Torres y otros.

Caunedo se destacó como arreglista y director, además de luchar por la causa del músico puertorriqueño, en aras de garantizarle sus derechos como obrero del arte.

Músicos cubanos como Paquito D’Rivera, Arturo Sandoval y Juan Pablo Torres lo intentaron convencer para que se radicara en Miami junto a su hijo Jesús Alfredo y su hija Virgen, pero el saxofonista siempre prefirió permanecer en Puerto Rico porque se sentía un hijo de esta tierra.

Hace dos años produjo un demo con la combinación de “big band” en la corriente del jazz latino, pero lamentó que ninguna disquera mostrara interés por su trabajo.

Luis “Puntillita” Kant
Abril 10

“La era de oro” de la música latina en Nueva York comenzó alrededor de los años 30 y ganó ímpetu como derecho de forma de arte para arriba hasta el presente. Cuando Tito Puente, Machito, Tito Rodríguez era acompañantes musicales que trabajaban con otras bendas, un Panameño de nombre Luis Kant, “Puntillita,” llegó a New York para comenzar su carrera. Un natural del barrio Chorrillo, que era también el hogar del pugilista Roberto Duran y de Ruben Blades, Sr. (el padre de Ruben Blades), Kant se empezo a cantar a los doce años. Con su buen amigo Luis Muñoz en piano, él comenzó a afilar con piedra sus habilidades el cantar y aprendió el repertorio de muchos cantantes que visitaban los locales a finales de los años 30 y 40. Él aprendió a tocar la clave de los músicos cubanos que llegaron en Panamá para trabajar en los hoteles y los nightclubs locales. Aprendió tocar bongos del Sr Ruben Blades. quién aunque no era músico de profesion si era un bongocero excelente. La ocupación primaria de Sr. Blades' era la de jugador de baloncesto, y según Puntillita, Blades sobresalia en ella. Su amistad con Miguelito Valdés le permitió salir de Panamá como miembro del grupo del Myrta Silva. el 17 de abril de 1946. Durante su permanencía en Cuba, aprendió los fundamentos de tocar la conga con distintas tecnicas la de Wilfredo “Chonguito” Hernández, y de Chano Pozo

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Celeste All Stars

Uno que se quedo por fuera del mes de Marzo

Tomado del Dirario PRIMERA HORA DE PUERTO RICO

El músico, cantante y compositor Heny Álvarez falleció en la mañana del viernes (MARZO 30) de varias complicaciones de salud, mientras se encontraba en su habitación en la Égida de Las Enfermeras, en Santurce.

El creador de la primera ópera prima de la salsa "Hommy" y fundador del Grupo Folklórico Experimental Nuevayorquino, murió a los 76 años de edad, según confirmó a PRIMERA HORA Rafy Alemán, íntimo amigo y colaborador del artista.

Durante el último tiempo, Heny Álvarez, cuya carrera musical se erigió en la ciudad de Nueva York, permaneció alejado de los escenarios luego de haber sufrido dos derrames cerebrales que lo mantuvieron bajo cuidado médico.

Natural del barrio de Villa Palmeras, en Santurce, Genaro Álvarez Domenech, su nombre de pila, nació el 19 de septiembre de 1929 y su primera formación musical la halló en los repiques de bomba que solían retumbar en todas las esquinas del sector de Cangrejo.

Comenzó sus andanzas artísticas temprano en su juventud al ingresar al grupo Las Hermanas Sustache, a finales de la década de 1940.

Empero, no fue hasta que arribó a la ciudad de Nueva York, en 1950, que su carrera comenzó a tomar velocidad tras ingresar en calidad de percusionista al Conjunto Marianasi de Luis Cruz.

En 1952 se integró al grupo Son de la Loma y, un año después, se sumó a la orquesta La Oriental Cubana.

Heny Álvarez formó parte de la charanga Orquesta Típica Novel en 1956 y, dos años más tarde, ingresó a El Sexteto de Gilberto Cruz a trabajar como cantante. Con este grupo –junto al que permaneció por cinco años y con el que logró presentarse en el Lincoln Center y en el Carnegie Hall de Nueva York– realizó su primera producción discográfica que se recuerda por el tema "El muerto se fue de rumba".

Al arribo de 1964, formó parte de La Charanga Moderna de Ray Barretto, con quien grabó el disco "La moderna de siempre". Poco después regresó a El Sexteto de Gilberto Cruz, donde estuvo trabajando cerca de año y medio, al tiempo que alternaba sus actuaciones con La Charanga de Lou Pérez.

Colaboró, además, en la grabación del álbum "Comin' at You", producido en 1965 por el sexteto de Joe Cuba, en el que aportó sus composiciones "Juan Ramón", "La fuga pal' monte", "Tremendo coco" y "Guaguancó del jibarito".

Ese mismo año también apareció en el disco "Salsa na' ma" de Charlie Palmieri y La Duboney; grabó los coros para una producción del maestro Rafael Cortijo; y trabajó en la orquesta de Mongo Santamaría.

"Hommy" lo elevó a la cúspide

El momento cumbre en la carrera de Heny Álvarez se produjo en 1973 y como resultado de su magna obra "Hommy", grabada con la orquesta de Larry Harlow y el primer trabajo propiamente salsero que realizó la cantante Celia Cruz.

Esta pieza, que presenta la crónica de un niño ciego, sordo y mudo que aprende a tocar los tambores a pesar de sus limitaciones, comprende en su relato un modo singular de vocalizar la historia de un mesías redimido a la festividad de su herencia sonora y en cuya lírica se encierra un mensaje positivo.

"Hommy", que significa agua en el lenguaje abacuá, fue, sin duda alguna, una propuesta musical y narrativa que marcó la trascendencia de la rítmica afroantillana en el mundo.

Pero más aún, hay en esta gran ópera prima la representación de las formas lingüísticas característica de los habitantes del pueblo de Loíza en los años 30 y 40, coherente con la intención del autor de rescatar la autenticidad de la raíz afropuertorriqueña y posicionarla a gran escala.

Contrario a la información que suele difundirse en torno a la obra, ésta no es un trabajo derivado de la ópera "Tommy" que realizó el grupo de rock británico Who temprano en los años 70. Por el contrario, el esfuerzo de esta composición es auténtico y original, según explicó y documentó su creador en el suplemento "Historia de la salsa" de PRIMERA HORA.

Heny Álvarez trabajó afanosamente en proyectos culturales dirigidos a la comunidad puertorriqueña de Nueva York y fue coordinador de música del Museo del Barrio y director del programa "Nuestra música latina" del Lincoln Center.

Otra de sus grandes contribuciones fue el montaje de la obra "Vegigante musical" y la realización, en 1975, del primer concierto de bomba con arreglos sinfónicos junto a Cheo Feliciano y la Orquesta Sinfónica Panamericana.

En los últimos meses de su vida, el compositor concentró sus energías en el desarrollo de una nueva ópera prima salsera que, bajo el título de "Eco divino", soñaba llevar a los escenarios.

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La Celeste All Stars de Marzo

En Febrero partia el hombre de las "Manos Duras", y apenas empezabamos a reponernos cuando se nos informa de la muerte de otro de los grandes, Pio Leyva. Aca estamos, entonces, despidiendo a aquellos que se fueron en Marzo.

ROBERTO SANCHEZ

En las horas de la tarde del 1 de marzo falleció en La Habana el bolerista Roberto Sánchez. En los últimos meses sufría de un cáncer implacable que lo llevó a perder hasta la voz.

Roberto Sánchez había nacido en San Cristóbal, municipio localizado en la provincia de Pinar del Río, el 26 de agosto de 1934. En 1961 se presentó, ya en La Habana, en programas de radio y televisión, interpretando un repertorio de boleros cubanos. Entre 1966 y 1980 fue vocalista de la Gloria Matancera y grabó cerca de 13 discos de larga duración. En 1981 se convirtió en solista. Era uno de los más notables intérpretes de boleros tradicionales.

Durante 20 años fue bodeguero y trabajaba “de gratis” en cualquier lugar. Fue descubierto por el grabador Medardo Montero (posteriormente director de la disquera estatal EGREM) que le grabó algunos temas, y luego Flavio Pollo que le grabó otros. Posteriormente el destacado arreglista Pedro Coto y el maestro Roberto Valdés Arnau le ensamblan un grupo de boleros, bajo la dirección orquestal de Adolfo Guzmán. Con ellos grabó su primer disco en 1961 y lo llevaron a la televisión.

Grabó cerca de 300 títulos en 14 álbumes. A lo largo de su exitosa carrera participó en numerosos eventos en Cuba, como el concurso “Adolfo Guzmán”, así como en los Festivales Internacionales de la Canción en Varadero, Boleros de Oro y en los nacionales de Música Popular “Chany Chelacy” y “Juan Arrondo”.

Realizó giras internacionales por México, República Dominicana, Venezuela, Martinica, Guadalupe y Colombia, país en donde residió cerca de dos años y realizó presentaciones en Medellín, Bogotá, Cali, Manizales y Pereira.

En Colombia fue considerado un ídolo y de allá se llevó un gran recuerdo: “justamente en este país batí un record, como dijo un colega de allá: en 156 días canté 2859 boleros”.

PIO LEYVA

En declaraciones a Prensa Latina, Juan Formell, director de la orquesta Los Van Van, mostró su pesar por el fallecimiento de Pío Leyva: "era uno de los grandes nombres de la década del 50, que algunos consideran la de oro de la guaracha y el son". Formell agregó: "Pío era muy completo, pues componía, arreglaba y cantaba. Sin tener un potencial de voz poseía un timbre sonero característico que se podía identificar entre miles de tonos".

Por su parte Isaac Delgado, el internacionalmente conocido "Chévere de la salsa", se unió al duelo y apuntó: "Pío era una de las grandes personalidades de la música cubana en cuanto a autoctonía y su sentido de la musicalidad siempre será recordado". Y agregó: "Leyva fue un músico longevo, que le tocó vivir y sobrevivir a una pléyade de estrellas con las cuales trabajó mano a mano desde la época de Benny Moré". "Cantó o trató a todos los grandes hasta el final glorioso junto a Compay Segundo, Omara Portuondo, Ibrahím Ferrer, Rubén González. Personalmente he perdido a un amigo y mentor", concluyó Delgado.
"Tomado de Prensa Latina Marzo 23 de 2006"

El músico cubano Pío Leyva, miembro del proyecto Buena Vista Social Club, fue despedido con un funeral íntimo en el cementerio Colón de La Habana, al que acudieron algo más de cincuenta familiares y amigos.

El intérprete de la popular guaracha "Francisco Guayabal", de 88 años de edad, murió víctima de un infarto cerebral, informó el Instituto Cubano de la Música, en su momento.

Conocido como el Montunero de Cuba, uno de los más importantes en la historia musical cubana de la segunda mitad del siglo XX, murió la víspera de que integrantes del Buena Vista Social Club viajaran a México para una presentación en el Auditorio Nacional.

Los cantantes Omara Portuondo, Juan de Marcos González, Eliades Ochoa, Barbarito Torres, Manuel El Guajiro Mirabal, Manuel Galván y Amadito Valdés integran este reencuentro de ese proyecto surgido hace 10 años con el público mexicano.

Al igual que los anteriores, Leyva tomó un segundo aire a raíz del disco impulsado por el estadunidense Ry Cooder y Juan de Marcos González, que después inmortalizó el documental del alemán Wim Wenders.

Pío Leyva nació en 1917 en Morón, Camagüey, al oriente de Cuba, se inició como bongosero de la orquesta Siboney de su tierra natal y luego cantó en tríos y en otras agrupaciones de música popular.

Comenzó como cantante en 1932 con la orquesta de Juanito Blez, a quien, según sus propias palabras, debía los conocimientos musicales que logró.

Desde entonces, vivió una carrera musical sin pausas ni descanso. En 1953 grabó sus primeros temas musicales en La Habana para el sello Panart, con el también ya fallecido Francisco Repilado (Compay Segundo).

En 1957 decidió trasladarse en forma definitiva a La Habana, donde le tocó competir con los mejores de aquel momento, entre ellos Benny Moré, Mariano Mercerón, Compay Segundo y Roberto Faz.

Participó con varios cantantes para una grabación de la RCA Victor y resultó el escogido, lo cual marcó en forma definitiva su carrera. A partir de allí su presencia en la escena musical cubana fue continua.

Entre las orquestas en que trabajó figuran la Riverside, los Ases del Ritmo, Fajardo y Sus Estrellas, Los Raqueteros del Swing, Mariano Mercerón, el grupo de Merceditas Valdés.

También en la orquesta de Juan Pablo Torres, su propio Trío Leyva, Las Estrellas de Areíto y en fecha más reciente con los Afro Cuban All Stars.

Sus viejos amigos y el público lo recuerdan como un cantante de gran soltura e improvisación, con un manejo envidiable del verso y la décima.

Yo nací el 5 de mayo de 1917 en Morón. Me llamo Wilfredo Pío Leyva Pascual.
Yo cantaba mucho, así, cuando muchacho, en el patio de mi casa. Yo me subía en
una mata y me ponía a cantar y al otro día los vecinos me decían: "Oye, te oí
cantar". Y así un día salí y había un velorio de santo en una casa en la calle
Narciso López. Yo llegué y había un septeto tocando ahí. Me paré en la puerta y
les dije a los músicos que por qué no me dejaban cantar un número. Y me dijo
uno: "¿Cómo te voy yo a dejar cantar? Yo no te conozco a ti". "Yo sé, le dije
yo, pero déjeme cantar con ustedes". Entonces se paró un amigo mío que era
bongocero del grupo, que en paz descanse, Valentín Sandoval, y le dijo al
director: "Deja al muchacho que cante algo". Pasé, me trajeron un taburete, me
subí ahí y canté un número que decía (empieza a cantar): "Negra linda, negra
santa / cómo me gusta gozar / Déjame pues, mi negrita / mis pesares disipar /
escuchando los cantares / de mi tierra bendecida / esta tierra maltratada / con
quien yo aprendí a gozar. / Afrocubano soy, afrocubano / por mis venas corre
sangre / del continente africano / por eso me gusta el son / donde canta la
guitarra los motivos de mi tierra / de la era colonial." Entonces la gente
aplaudió, yo me fui, y al otro día, un amigo mío, Juanito Blez, me mandó a
buscar a mi casa para tocar un baile con él. Canté esa noche y hasta ahora no he
parado más. Eso fue como en el año 30

Anecdota contada a "San Francisco Bay Area Salsa & Latin Jazz"

LUISA MARIA HERNANDEZ

El Sábado 25 de marzo murió en Miami La India de Oriente quien tuviera varios éxitos en la “salsa retorno” –al sonido tradicional cubano- de los años 80 con el sello SAR y sus filiales.

La India de Oriente, había nacido en El Cobre, provincia de Oriente, Cuba, en fecha no determinada.

Desde su niñez, cantaba las misas solemnes de la virgen de La Caridad del Cobre.

Al trasladarse la familia a Santiago de Cuba, tiene su primera experiencia en la emisora CMKC, donde canta los boleros “Tres palabras” y “Reflexión”, acompañada de la pianista Nene Valverde. Su éxito la lleva a la CMKW donde la acompaña el famoso Trío La Rosa. Pasan varios años y el sello Panart graba el éxito de esta reunión: “Contestación a Por seguir tus huellas”, su primer éxito en la isla y en el Caribe.

En La Habana La India es contratada como artista exclusiva de los laboratorios Gravi para actuar en la RHC –Cadena Azul- en el programa “El madrugador”. Siguiendo más adelante con “Historia de Cuba a través de sus canciones” de Pablo Medina. También participa en “Tardes mexicanas”, con el Trío Torre Monterrey, donde cantaba melodías populares mexicanas.

En 1950 Gaspar Pumarejo la enlista en el repertorio artístico de Unión Radio interpretando guajiras y son montunos. Pasa luego a la televisión llevada por el mismo empresario.

Prestigiosas agrupaciones, como la de Julio Gutiérrez y la Habana Casino, sirvieron de marco musical a sus interpretaciones, cantando a dúo con Barbarito Diez y en una oportunidad con Celia Cruz, en el Canal 6 en el programa “Jueves de Partagás”.

En 1960 emigra a Miami, donde permanece por espacio de tres años, pasando a Nueva York por 10 años más, durante ese período graba dos álbumes para el sello Gema: “Décimas y guajiras” y “Julio Gutiérrez y sus Guajiros”.

De ahí La India regresa a Miami y a finales de los 70 hace una serie de grabaciones para Guajiro records –filial de la Sar- con arreglos de Alfredo Valdés Jr. y para Caimán Records producidos por Juanito Márquez, la cual lleva a la artista a una gran popularidad acompañada de giras por México, Colombia, Curazao, Africa y otros. También participó en grabaciones con la Sar All Stars.

Sus últimos años los vivió en Miami bastante enferma y en completa soledad. Sus restos fueron cremados y serán enviados a Cuba, según su propia voluntad.

Otros que partieron en este mes fueron:

(7 de Marz0) Ali Farka Toure, músico africano tradicional que ganó dos premios grammy, Toure uno de los músicos más famosos de Africa, tocaba un instrumento tradicional de Mali llamado Gurke. Era conocido por su colaboracion en 1995 con el guitarrista Ry Cooder. Toure nació en 1939 en el norte del desierto del Sahara.

(16 de Marzo) El Trompetista argentino Rubén Barbieri Nacido el 2 de Diciembre de 1928 de Marzo. Era hermano mayor del conocido Gato, el músico de jazz más importanteque dio la Argentina.

(24 de Marzo) Murió en la ciudad de Santo Domingo, reconocido músico, compositor y cantautor, don Juan Lockward, a la edad de 91 años. Su muerte ha sido una pérdida para el arte dominicano.

(31 de Marzo) Fue parte del grupo de vocalistas del Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorquino

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Fe de Erratas "La Celeste All Stars Febrero"

Victor Venegas

En el articulo anterior escribimos que se le conocia como musico de la Fania pero nada mas lejano de la realidad. Gracias a los amigos de Herencia Latina y Jazz Mestizo hemos encontrado algunos datos de Victor Venegas y aca van.

Conocido de manera especial por su rítmico solo en “Canta bajo” con la orquesta de Mongo Santamaría cantando La Lupe.

El maestro Víctor Venegas es una leyenda de la música Jazz, Afro-Cuban Jazz y la Salsa en los Estados Unidos. Particularmente en lugares como Chicago, la costa del oeste y en Nueva York.

De raíces Mexicanas, casado con una dama Boricua el maestro Venegas empezó su carrera en Chicago tocando jazz en los clubes nocturnos de la área. Luego fue a un hotel donde vio por la primera vez la orquestación cubana conocida como "Charanga." La Orquesta Nuevo Ritmo fue lo que le inspiró a Víctor a aprender como tocar el tumbao afro-cubano en el bajo y su inspiración y maestro fue Nicolás "Cuco" Martínez Sr., quien fue el bajista de la orquesta. Cuando Víctor se une a la orquesta, "Cuco" deja el instrumento y toma la posición de timbalero. Junto a Víctor y Cuco estuvieron Pupi Legaretta, Rudy Calzado, y una de las glorias de Puerto Rico, Pellín Rodríguez, quien fue era cantante.

Luego Víctor trabajó con el gran Cal Tjader, el más reconocido vibrafonista de la época y uno de los más famoso interpretes del jazz latino. Ahí fue que conoció a Mongo Santamaría y lo demás es historia. Junto a Mongo, Víctor participó en varias grabaciones consideradas hoy como clásicas: Watermelon Man, Afro-Blue, Sofrito, Para Ti, etc. En los últimos años, Víctor estaba retirado y residiendo en Las Vegas, NV junto a su hija y familia.

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La Celeste All Stars de Febrero

Fueron 3 los que partieron en el mes de Febrero, pero por razones tecnicas, que han venido afectando la memoria... pero no solo la del PC les quedo debiendo solo hasta mañana o pasado la informacion de Victor Venegas (12 de Febrero en Las Vegas) quien fuera bajista de la Fania durante bastante tiempo, trabajó al lado de Pupi, Pacheco y Don Gonzalo. Tal vez su momento mas destacado fue al lado de Mongo



“Si tuviera que definir cuál es mi identidad, lo haría diciendo que mi identidad es simplemente esa, el haber tenido el privilegio de conocer a Tito Puente y Charlie Parker”

Ray Barreto

La Mejor Manera de Partir

Tal vez todo ser humano busca ser recordado siempre. Y si estamos hablando de un personaje generador de cultura, en cualquiera de sus expresiones, pretende que su obra sea recordada durante generaciones.

Ray Barreto era un hombre que desde hacia mucho tiempo tenia asegurada su continuidad en la memoria de la gente, en especial de quienes gustan de la música Afro antillana. Pero, paradójicamente y esto a titulo personal fue durante sus últimos días que logro una figuración con titulo a Bordo, que tal vez el Todo Poderoso sabiendo que dentro de muy poco lo tendría a su lado, decidió hacer mas indeleble su estadía dentro de los mortales.

El Sabado 14 de Enero, de 2006 Ray Barreto asistia a la ceremonia de premiacion donde era elegido “Maestro del Jazz” titulo, que para aquellos que tiene que darle una dimensión comercial a todo tipo de galardones que no conocen lo llamaron como el “Oscar” de este genero de música. Pero a Barreto se le quería reconocer mas de medio siglo de carrera musical. Barretto, a los 76 años, se convertía en el segundo hispano que logra el reconocimiento tras el saxofonista cubano Paquito D'Rivera, y en el primer artista al que se le concedía por su dominio de un instrumento insólito entre los grandes creadores de jazz: las congas.

Creado por la Asociación Internacional de Educación del Jazz (AIEJ), el título de "Maestro del Jazz" es la más importante distinción entre los artistas de este género.

Dizzy Gillespie, Count Basie, Miles Davis, Ella Fritgerald, Art Blakey, Sonny Rollins, Ornett Coleman, Max Roach, Lionel Hampton, Dave Brubeck, Wayne Shorter y Herbie Hancock habian sido, hasta ese momento entre otros gigantes del jazz, merecedores del premio, que se instauró en 1982 y se concede a artistas vivos.

Además de Barretto, los otros seis galardonados este año fueron Chick Corea, Tony Bennet, Freddie Hubbart, Buddy DeFranco, John Levy y Bob Brookmeyer, a quienes se les entregó el premio en una gala celebrada el viernes en Nueva York.

Pero ese mismo dia Sabado 14 de Enero comenzó a sentirse mal tras llegar a su casa y vencer varios contratiempos a causa de una nevada que azotó a Nueva York. Barretto, padecia de asma, y al encontrarse a pocos minutos de su residencia atascado en el tapón, le dijo al chofer que avanzaba más caminando, por lo que hizo lo propio con las consecuencias posteriores. Tal vez alli comenzo el proceso de un poco mas de un mes para finalmente viajar a la "Celeste All Stars".

Curiosamente la noticia acerca de su nombramiento como Maestro del Jazz se conocio el Lunes 16 y solo hasta el dia siguiente, Martes 17, se supo que estaba hospitalizado desde el Sabado 14.


Nacido el 29 de abril de 1929 en Nueva York, Barretto incursionó en la música inspirado por el legendario percusionista Chano Pozo. Hijo de padres puertorriqueños, el joven Ray comenzó a tocar en sesiones de descarga ("jam sessions") celebradas en los clubes de jazz durante su estadía en Alemania, en los años en que cumplía con el servicio militar obligatorio. Al reintegrarse a la vida civil, Ray continuó tocando en Nueva York hasta que logró su primer trabajo en el Latin Jazz Combo de Eddie Bonnemere. Dos años más tarde formó parte del conjunto de José Curbelo, de donde pasó a substituir a Mongo Santamaría en la orquesta de Tito Puente. Barreto permaneció con la orquesta del timbalero durante cuatro años, período en el que también intervino como músico de sesión en grabaciones del género "rhythm & blues" en grabaciones de Red Garland, Gene Ammons y, brevemente, Herbie Mann.

En el 1961, el sello disquero Riverside decidió entrar al mercado de la música latina. Firmando a Barretto, el joven boricua inició este ciclo formando una orquesta de charanga. "Pachanga with Barreto" fue el primero de dos discos que Ray grabó con ellos. Pero ante la insatisfacción del experimento, el conguero cambió de compañía para iniciar una nueva estrategia musical.

Grabando con la casa Tico, Barretto logró su primer éxito con la canción "El watusi" en 1963. En medio del furor del rock y la nueva ola, el tema se convirtió en la primera canción puramente latina en penetrar las listas de Billboard en los Estados Unidos. Luego de varios álbumes con Tico, Barretto firmó con el sello UA con la esperanza de lograr más amplia distribución de sus discos. Con ellos realiza producciones como "Ray Barretto Señor 007". Pero ante la falta de efectividad en el mercado, decide firmar con la recién formada companía Fania en 1967. Su primer disco para el novel sello, "Acid", fue un experimento de fusión con "rhythm & blues "que bien le logró recapturar la atención del público latino.

Con Fania Ray Barretto se consagró como uno de los máximos exponentes de la salsa. Al mismo tiempo, participó en grabaciones de figuras anglosajonas como Cal Tjader, los Rolling Stones y los Bee Gees, entre otros. Desde el 1968 formó parte de la Fania All-Stars, y con discos como "The Message", "Power" e "Indestructible", su nombre se estableció como uno de peso en el género tropical. De hecho, uno de sus grandes aciertos en este período lo fue su disco "Barreto", que en 1975 logró una nominación al premio Grammy.

Durante esos años pasaron por su orquesta vocalistas de la talla de Adalberto Santiago, Tito Allen, Rubén Blades, Tito Gómez y Ray De La Paz. Igualmente su orquesta contó con talentosos instrumentistas como el timbalero Orestes Vilató, el bajista Andy González, el pianista Oscar Hernández, el timbalero Ralph Irizarry y los trompetistas Roberto Rodríguez y René López.

Del 1976 al 1978, grabó tres discos de jazz para el sello Atlantic Records. Uno de ellos, "Barretto Live...Tomorrow", fue nominado para un Grammy. En el 1979 regresó a Fania Records y a la salsa, produciendo un álbum considerado por los críticos como un clásico: "Ricanstruction". El mismo fue proclamado por la revista Latin N.Y. como "Mejor Album" del 1980, y Barretto fue igualmente distinguido como el conguero del año.

Durante la década del 80, el músico puertorriqueño experimentó una merma en su popularidad. Sin embargo nuevas nominaciones al Grammy no se hicieron esperar. Fue nominado al galardón por la producción "Ritmo de la Vida". Y finalmente, en el 1990, ganó la presea por el disco "Ritmo en el Corazón", el cual contó con la participación de la cantante Celia Cruz.

Durante los años 90, Ray Barretto continuo carrera entre sus dos grandes pasiones - el jazz latino y la salsa - grabando discos de ambos géneros y viajando por los Estados Unidos, Europa y Sur América.

En 1992, formó un nuevo sexteto de jazz latino, New World Spirit, con quienes grabó hasta el 2005 los siguientes albumes:

Ancestral Messages (Concord Picante, 1992)
Taboo (Concord Picante, 1994)
My Summertime (Owl, 1995)
Contact! (Blue Note, 1997)
Portraits in Jazz and Clave (RCA, 2000)
Trancedance (Circular Moves, 2001)
Homage to Art Blakey and The Jazz Messengers (Sunnyside, 2003)
Time Was - Time Is (O+ Music, 2005)

JOSE MARIA PEÑARANDA

Fueron varios los instrumentos que ejecuto el maestro peñaranda se inicio con el tiple, luego la guitarra, paso ademas por la dulzaina y luego el acordeón Nacio el 11 de Marzo de 1907 en Barranquilla.

Según sus propias palabras el tema que le dio mayor reconocimiento y fama fue EL HOMBRE CAIMAN tema que compuso en el año de 1941

La leyenda del Hombre Caimán como es conocida en nuestro medio, proviene de diferentes lugares, una de Ciénaga y otra de Plato, siendo esta última la que sirvió de base para la inspiración de la canción. En 1945 Peñaranda graba su canción en acetato en La Voz del Litoral de Barranquilla, después pasa a Venezuela y de allí llega a Argentina, siendo grabada por la Orquesta de Eduardo Armani, en la voz de JohnyAlvarez. En la versión de Armani se puede observar que el coro dice "...ahí viene el caimán, ahí viene el caimán, viene para Barranquilla", en las versiones posteriores este coro es cambiado por "se va el caimán, se va el caimán, se va para Barranquilla".

Parece ser que el cambio en parte tiene que ver con el auge que fue tomando la canción internacionalmente, sobre todo en España, donde fue utilizada para ironizar los anuncios mentirosos que hacía el general Franco de retirarse del poder.

Posteriormente realiza gira a Panamá, hacia marzo y abril de 1946, presentándose en vivo por la Cadena Panameña de Radiodifusión y en el Teatro Panamá. En esa gira el Presidente panameño Enrique Jimenez, a través de una carta agradece el homenaje rendido por Peñaranda y sus muchachos en la radio difusora panameña.

Más tarde la composición Se va el Caimán se inmortaliza a través de la película mexicana "Pasiones Tormentosas", interpretada por el cantante Kiko Mendive.

A partir de 1951 realiza presentaciones en Cali, en Medellín cuatro años más tarde, obteniendo allí un reconocimiento de parte del periódico El Colombiano y presentando una grupación compuesta de Tumbadora, Guitarra, Timbales, Acordeon, Maracas y Guacharacas. El porro "Me voy pa' Cataca" de su autoría y en el cual el soledeño José Cuesta grabó el acordeón, fue retomado por Nelson Pinedo con la Sonora Mantancera, titulándolo "Me voy pa' La Habana".

Otros temas de su repertorio son "La Cosecha de Mujeres", grabado por Pedro Laza y sus Pelayeros y con diferentes versiones internacionales entre las cuales se destacan la del mexicano Ramón Marquez y la de Chorolo y su Combo; "Las Cuatro Hijas", grabada por Johnny Ventura; "Que le den", en la versión de los Blancos de Venezuela; "Celso", en versión salsa de la orquesta Selección Quinta. También se destacan temas como "A Centavo la Pasá", "El Coje-Coje", "Compadre le Vendo el Carro", "Vuelve", grabado por Joe Arroyo, además de una serie de composiciones picantes como "Las Secretarias", "Teresa la Panadera", "El Peluquero", y otras más.

Aunque en su momento José María Peñaranda fue considerado como un compositor de letras demasiado calientes, después de haber transcurrido el tiempo, podemos decir que fue el primer juglar costeño en incursionar con letras picarescas y humorísticas, en las cuales, el doble sentido o la vulgaridad corría más por cuenta del oyente que del mismo compositor. Peñaranda es a nuestra música lo que en Cuba es el compositor Faustino Oramas, conocido como "El Guayabero".

En 1996, cuando ‘El Jibarito de Lares’ Odilio González llegó a Barranquilla para realizar una presentación con su grupo, lo primero que preguntó fue por el.

‘LA ÓPERA DEL MONDONGO’

No existe, en la historia musical de Colombia, una canción más cruda y llena de obscenidades como ‘La ópera del mondongo’. Peñarada escribió la letra, la grabó con su grupo y escandalizó a medio mundo. La otra mitad la celebró con euforia: El pato para volar/ las alas las encartucha/ la mujer para… Lo curioso del caso es que aunque jamás sonó en las emisoras, la gran mayoría de los melómanos la han escuchado por lo menos una vez en sus vidas. El nombre de la canción provoca malicia y risa.

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La Celeste All Stars

LO QUE SE LLEVO EL 2006

Este año 2006 se ha llevado a muchas de nuestras estrellas favoritas de la musica, entre otras, Ray Barreto, Richard Egues, Miguel Anga, Hilton Ruiz... y un largo etc.

No queremos ni imaginarnos los Jam Sesion que debe estar organizando el Todo Poderoso alla arriba.

Pero en esa lista que les inicie alla arriba faltan muchos personajes. Y en Por Las Venas Del Caribe, queremos hacer un homenaje, ojala a todos ellos, en la medida de lo posible. "¿Podrian Ustedes ayudarnos a organizar esa lista?."

Solo enviennos un correo a porlasvenasdelcaribe@gmail.com o a mandurango@gmail.com con los nombres que recuerden de los que se fueron si tiene la fecha seria bien interesante.

Entre todos podemos hacerle el mejor homenaje a quienes en vida nos dejaron escuchar toda su magia y virtuosismo musical.

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